Lenin Jacket Picture: Wat is die storie?

Lenin Jacket Picture: Wat is die storie?

Wat is die storie agter hierdie foto?

Wanneer is hierdie foto geneem? Wie is die modelle?

Hierdie foto, op baie plekke op die internet, selfs in hierdie artikel oor 'Chinese wikipedia', word as 'n voorbeeld van 'n Lenin -baadjie (列宁 装) getoon. Dit word getoon as 'n voorbeeld van 'n spesifieke soort mode, die Lenin -baadjie. Die 1950's was blykbaar jare van sterk Sowjet -invloed wat tot op die gebied van vrouemode uitgebrei het. Volgens wat ek gelees het, was dit 'n modeneiging wat belangrik was vir die Chinese modernisering.

Hier is die spesifieke vrae:

  1. In watter jaar is hierdie foto geneem?
  2. Wat is die konteks van hierdie foto? (bv. mode, werkfoto, uniforms, nuusartikel, persoonlike foto)
  3. Wie was die mense? (mode -modelle ?, werknemers ?, kaders? name, indien moontlik)
  4. Is dit gepubliseer? Indien wel, waar?
  5. Wanneer het dit op die internet begin versprei?
  6. Wat is die outeursregstatus daarvan?
  7. Waar is dit geneem? In 'n ateljee met 'n agtergrond, of buite? In watter stad, land?

Edit: Let asseblief daarop dat hierdie baadjie, met die naam "Lenin Jacket", en Vladimir Lenin is heeltemal onverwant, behalwe hul naam. Dit is die naam van 'n baadjie. Dit is ook nie verwant aan John Lennon van die Beatles nie.

Boonop vra ek nie oor Vladimir Lenin of oor Chinese vrouemode nie; die skakel in die vraag na die boek van Antonia Finnane bied baie inligting oor Lenin -baadjies en ander Chinese mode -onderwerpe. Daar is baie ander hulpbronne beskikbaar. Hierdie vraag handel spesifiek oor hierdie spesifieke foto.

Bykomende inligting:

Hierdie foto toon 'n vrou in 'n ligte leninbaadjie, net soos hierdie foto. Hulle wys duidelik dat dit nie 'n Mao -pak is nie. Dit sluit op 'n posisie wat van die middel af verskuif is, en het 'n ander vroulike snit as 'n Mao -pak.


Is dit gepubliseer? Indien wel, waar? Wanneer het dit op die internet begin versprei?

Die vroegste bron wat ek kon vind, is uit 'n verhaal wat in roll.sohu.com gepubliseer is. Dit is 'n verhaal oor die lewenstyl van die Chinese mense in die 1950's en 1960's.

Waar is dit geneem? In 'n ateljee met 'n agtergrond, of buite? In watter stad, land?

Die verhaal noem 'n plek met die naam Nanjing, 'n Chinese stad. Dit sê nie of dit daarheen geneem is of nie.

In watter jaar is hierdie foto geneem?

Volgens 'n tydskrif wat deur die Korean Society of Clothing and Textiles gepubliseer is, is dit geneem in die vroeë 1950's.

Verwysing: Journal of the Korean Society of Clothing and Textiles - Vol. 39, nr. 4


Wie was die mense? (mode -modelle ?, werknemers ?, kaders? name, indien moontlik)

Die Journal of die storie hierbo noem niks oor wie die mense was nie.

Wat is die konteks van hierdie foto? (bv. mode, werkfoto, uniforms, nuusartikel, persoonlike foto)

Die verhaal het 'n gedetailleerde konteks van die foto. Verder het Georgetown.edu 'n gedetailleerde verslag oor die jas se konteks. Dit sê:

Lenin Coat was veral gewild in China gedurende die 1950's. Dit is 'n variant van 'n oop kraag en 'n dubbelborspak. Soortgelyke pak was algemeen in Europa en het gedurende die eerste helfte van die 20ste eeu 'n konserwatiewe keuse geword. Maar dit was 'n nuwe manier toe dit China eers tydens die Tweede Sino-Japannese oorlog en die Chinese burgeroorlog binnegekom het.

Russe noem hierdie soort jas nie 'Lenin -jas' nie. Die woord is deur Chinese genoem. Omdat Lenin hierdie soort jas gedra het tydens die Oktoberrevolusie. As ons net die beeld van Lenin Coat as 'n betekenaar neem, deel Chinese en Russe 'n soortgelyke eerste-orde stelsel (Allen, 42). Maar die tweede orde semiologiese stelsel (Allen, 43) verskil aansienlik.

In Rusland het mense hierdie jas nie veral met die bolsjewistiese gees verbind nie. Maar Chinese het die beeld verhoog om respek vir sekere ideologie te toon. Ek dink in sommige historiese tydperke wou sommige mense hierdie betekenislaag beklemtoon en die woord "Lenin" gebruik om die jas te noem, wat op sy beurt die woord se eerste-orde stelsel verander het.

Skakel na die volledige verslag.


Sosialistiese realisme

Sosialistiese realisme verwys in die algemeen na die formeel realistiese, tematies kunsmatige skilderstyl wat in die jare na die kommunistiese rewolusie van 1917 in Rusland ontstaan ​​het, veral na die bewind van die bewind van Josef Stalin in 1924. Die term omvat ook baie van die visuele kuns wat geproduseer word in ander kommunistiese nasies vanaf daardie tydperk, asook gepaardgaande bewegings in beeldhouwerk, letterkunde, teater en musiek. Rusland het 'n trotse geskiedenis van realistiese skilderkuns as sosiale kritiek, veral deur die werk van Peredvizhniki-kunstenaars soos Ilya Repin, en was ook in die vroeë 1900's voorop in die ontwikkeling van avant-garde-kuns. Maar namate die realiteite van die sosialistiese heerskappy in die USSR begin byt, word kunstenaars toenemend verplig - dikwels weens gevangenisstraf of dood - om positiewe, propagandistiese beelde van politieke leiers, kulturele ikone en alledaagse toestande in die nuwe Sowjetrepubliek aan te bied. Sosialistiese realisme, wat aanvanklik kunstenaars van talent en waagmoed soos Isaak Brodsky en Yuri Pimenov opgeneem het, was 'n verstikkende paradigma waarin alle politieke kritiek en voor die hand liggende formele eksperimente uit die weg geruim is. Dit het nietemin voortgegaan om die aktiwiteite van tegnies begaafde kunstenaars, skrywers en selfs komponiste te kanaliseer - Sergei Prokofiev se kantate uit 1939 Zdravitsa, wat saamgestel is vir Stalin se 60ste verjaardag, word steeds wyd erken as 'n belangrike werk, ondanks die brutale propagandistiese libretto en onsmaaklike politieke subtekste. Dit is een van die vele fassinerende voorbeelde van wat gebeur wanneer 'n totalitêre regime sy beheer oor elke kulturele uitdrukking probeer uitbrei.


Sosialistiese realisme: konsepte, style en neigings

Die artistieke model vir sosialistiese realisme was kompromisloos en deur die staat uiteengesit. Sosialistiese realisme moet optimisties van gees wees, realisties van styl en duidelik die Sowjet -saak ondersteun. Dikwels word van werk verwag om 'n individuele held van die nuwe republiek te eerbiedig, of dit nou 'n staatshoof was of, soos meer gereeld die geval was, 'n lid van die arbeidsklasse wat tot die beroemdheidshoogte gebring het, soos Alexey Stakhanov, die rekord- brekende mynwerker op wie George Orwell se karakter Boxer the Horse (van Animal Farm) was gebaseer. Binne die smal stilistiese en tematiese parameters van die Stalinistiese estetika het kunstenaars van talent en uitvinding egter steeds minimale maniere gevind om hulself uit te druk.

Optimisme

Van sosialistiese realisme was 'n hoogs optimistiese beeld van die lewe in die Sowjet -staat nodig. Dit was die deurslaggewende onderskeid tussen Sosialistiese Realisme en Sosiale Realisme, die groter beweging wat dit beïnvloed en tot 'n mate opgeneem het: Sosiaal Realisme was in baie gevalle uitermate krities oor die toestande wat dit uitbeeld, net soos die indrukwekkende van Ilya Repin Vragwaens op die Wolga (1870-73). Daarteenoor was die swaarkry wat deur die Stalinistiese heerskappy veroorsaak is - en inderdaad deur die burgeroorlog gedurende 1917-22 - nie 'n aanvaarbare onderwerp vir kritiek nie: kunstenaars moes die lyn in hul keuse en uitbeelding van onderwerp onderwerp.

In 1928 het Stalin byvoorbeeld die eerste van sy vyfjaarplanne geloods, wat daarop gemik was om alle ekonomiese produksie onder die beheer van die staat te plaas. Dit het ingesluit die massakollektivisering van boerdery deur die Kolkhoz -skema, wat wydverspreide hongersnood tot gevolg gehad het en 'n afname in landbouproduktiwiteit. Terwyl 'n Sosialistiese Realis in die trant van die Peredvizhniki -kunstenaars dit waarskynlik sou gerapporteer het, moes die Sosialistiese Realist die deugde en die suksesvolle implementering van kollektivisering prys. Gedwonge eis van grond, vee en gewasse van hongersnood en sielkundige trauma: al hierdie realiteite is van die toneel af weggejaag. In hul plek vind ons helder kleurpalette en waaksaam, goed gevoed boere wat by die taak met die industrie en aplomb pas, soos in Gregory Ryazhsky se Die Collective-Farm-spanleier (1932). Deur 'n ruim ontleding was hierdie beelde aspirasievol, en het die lewe in die moderne Rusland nie soos dit was nie, maar dit sou ook moontlik kon verklaar dat hierdie werke die stilistiese fineer van Realisme behou het, terwyl hulle die werklikheid as onderwerp laat vaar het.

Realisme

Toe Kazemir Malevich sy beroemde saamgestel het Swart vierkant in 1913 beliggaam hy 'n gees van radikale abstraksie wat destyds oor Rusland en die Weste heen was. In die vroeë dae van die Sowjetrepubliek het hierdie gees nog steeds tot uitdrukking gekom, deels omdat Trotskistiese faksies binne die regering die deugde van abstraksie bly uitspreek, met die argument dat kommunistiese kuns lesse van bourgeoise-eksperiment moes opneem om die konvensie van die werkersklas te oortref. , en word dus 'klasloos'. Toe Stalin aan die bewind kom, is hierdie nuanse in kulturele debat egter laat vaar ten gunste van 'n bloedige pragmatisme: kunstenaars, beeldhouers, fotograwe en filmmakers bied geïdealiseerde beelde van politieke en kulturele leiers en van die alledaagse lewe in die nuwe Rusland, in die mees konvensioneel 'realistiese' manier moontlik. Die sosialistiese realis moes op 'n baie lineêre en akkurate manier leer hoe om uit die lewe te teken en te skilder. Sommige skilderye was so lewensgetrou dat dit in 'n sekere sin soortgelyk aan kleurfotografie geword het, maar vorm- en styloorwegings is heeltemal laat vaar.

Boris Ioganson, 'n toonaangewende amptelike kunstenaar van die Stalinistiese tydperk, vat die tydsgees saam deur te sê dat die lokaal van kreatiwiteit in die sosialistiese realisme nie in die tegniek van die komposisie lê nie, maar in die 'toneelopvoering'. Die stelling is intelligent en verhelderend, maar die teenstrydigheid in die middel van hierdie weergawe van Realisme is duidelik in die gebruik van die woord "staging" en is duidelik te sien in werke soos Aleksander Deyneka se Stakhanoviete (1936), wat die ideale gemeenskap van Russiese werkers uitbeeld. Die woord "Stakhanovite" verwys na Alexey Stakhanov, wat dui op 'n onvermoeide werker vir die Sowjet -saak - meer as 'n visioenêre allegorie as 'n werk van realisme. 'N Optog van lang, gelukkige, gesonde werkers in wit geklee verskyn voor die Paleis van die Sowjets, 'n gebou waarop die bouwerk nie begin het toe die skildery saamgestel is nie, maar die jaar daarop het begin, maar is beëindig deur die Duitse inval in Rusland in 1941.

Die held

Die leier van Alexander Deyneka Stakhanoviete is Alexey Stakhanov self, wat na bewering in 1935 as 'n steenkoolmynaar verstommende rekords opgestel het en 102 ton steenkool in 'n enkele skof verwerk het (daarna is voorgestel dat hy dit saam met 'n span assistente gedoen het as deel van 'n opgevoede propaganda-oefening) ). Stakhanov het 'n nasionale beroemdheid geword, die hoof van die produktiwiteitskultus wat hy selfs op die voorblad verskyn het Tyd tydskrif in Desember 1935. Stakhanov is vereer as die voorbeeldige "New Soviet Man", die soort figuur op wie se skouers die toekoms van die USSR sou wees: gesond, gespierd, onbaatsugtig en entoesiasties, met 'n onwrikbare werksetiek. Proletariese helde soos Stakhanov word oral in sosialistiese realistiese skilderye aangetref, van fabriekswerkers en wetenskaplikes tot siviele ingenieurs en plaaswerkers, wat almal dieselfde gees van individuele wil bevat wat op kollektivistiese ideale gerig is. Dit was natuurlik nog 'n paradoks in die hart van die sosialistiese realisme: dat die oprigting van 'n kollektivistiese samelewing 'n kwasi-godsdienstige verering van die individu vereis.

Dieselfde ironie kan bespeur word in die uitbeelding van die leiers van die nuwe staat. In 'n patroon wat in totalitêre kulture gedurende die twintigste eeu herhaal is, het hierdie figure effektief die plek ingeneem van godsdienstige ikone in die publieke verbeelding, wat in monumentale portrette en plakkate verskyn as semi-goddelike wesens, wat die volk vorentoe lei deur hul wil en insig . Baie van hierdie werk is vervaardig deur talentvolle skilders soos Isaac Brodsky, wat in die laat 1920's en 1930's verskeie skilderye van Lenin gekomponeer het tydens die belangrikste fases van die Russiese Revolusie, soos Vladimir Lenin 1 Mei 1920 (1927). Dit is nou een van die stylvolste monumente vir die persoonlikheidskultus wat tydens die sosialistiese realistiese tydperk rondom Lenin en Stalin grootgeword het.

Ondersteuning vir die staat

Teen die dertigerjare was die galerye van die Sowjetunie bedek met politieke portrette, waaronder die twee groot leiers van die staat, Lenin en Stalin. As die statistiese boodskap agter sulke werk openlik was, is die subtieler propaganda van sosialistiese realisme uitgevoer in die gedaante van genre -skilderye en stillewes, wat geen eksplisiete verband met politieke temas gehad het nie. Werke soos Ilya Mashkov Sowjetbrode (1936) beeld die oorvloed van die alledaagse lewe in die kommunistiese staat uit. Mashkov beeld brode van alle vorms, ontwerpe en groottes uit, wat om aandag veg onder 'n tradisionele koringversiering rondom 'n sierbrood wat met die hamer en sekel ingesny is.

Die verskillende subtekste van Mashkov se beeld gee 'n opsomming van sommige van die paradokse van die sosialistiese realistiese estetika, en dui op die kiem van kreatiwiteit wat daarin bestaan ​​het. Die toegewing aan Russiese volkskuns in Mashkov se selfbewuste naïewe komposisie weerspieël sy verbintenis met radikale skilders van die pre-revolusionêre tydperk, soos Mikhail Larionov, een van die kunstenaars met wie Mashkov in 1910 die Jack of Diamonds-groep in Moskou gestig het. Hierdie groep was verantwoordelik vir die omskrywing van baie van die beginsels wat verband hou met die neo-primitivisme Mashkov se voortbestaan ​​as kunstenaar in Rusland tot met sy dood in 1944, dui dus op die verrassende reeks stilistiese invloede wat die Sosialistiese Realisme soms erken, mits hulle na regs gekanaliseer word rigting. Terselfdertyd kan die onbewuste ironie agter die datum van die komposisie van hierdie skildery nie geïgnoreer word nie: aan die einde van kollektivisering, wat hongersnood by groot dele van die armes op die platteland in Rusland gebring het.

Sosialistiese realisme buite die Sowjetunie

Namate die internasionale beleid van Stalin in die jare na die Tweede Wêreldoorlog al hoe meer imperialisties geword het, is sosialistiese realisme uitgevoer na die satellietstate van die Oosblok, nuwe Sowjetrepublieke wat in die jare na Oos -Europa ontstaan ​​het na die oorgawe van die asmagte in 1945. In die Volksrepubliek van Pole, gestig in 1947, is sosialistiese realisme vanaf 1949 as staatsbeleid afgedwing, geld 'n soortgelyke tydlyn vir die Sosialistiese Republiek Roemenië, ook gestig in 1947. Aangesien hierdie lande in politieke en kulturele opgang was USSR, dit is nie verbasend dat die werke van die sosialistiese realisme wat daar geproduseer is, weinig algemene stilistiese verskille toon tussen die wat in die voorafgaande dekades in Rusland bestaan ​​het nie, maar weer het individue van talent en kreatiwiteit oorleef, soos Alexandru Ciucurencu in Roemenië (wat weliswaar was goed gevestig as 'n post-impressionistiese skilder voor 1947). Werke saamgestel ter ere van die modernisering van die landbou onder Sowjet -bewind, soos die Poolse skilder Juliusz Krajewski Dankie Trekker Operateur (1950) herinner dit aan dié wat twee dekades vroeër saamgestel is tydens kollektivisering in die Sowjetunie.

Die Sowjet -opvatting van sosialistiese realisme het ook kulturele ontwikkelings buite Europa geïnspireer, insluitend in die Demokratiese Volksrepubliek Korea (gestig in 1948) en die Volksrepubliek China (gestig in 1949). Voorsitter Mao se proklamasies oor die rol van die kunstenaar in die nuwe Chinese staat weerspieël dié van Stalin: "[a] ll our literature and art is for the massas of the people, and in the first place for the workers, peasants and soldies". In 'n beleid waarna verwys word as die 'nasionalisering van olieverf', sou Chinese kunstenaars Europese skildertegnieke bestudeer om Mao se variant van die stalinistiese kulturele nasionalisme te bevorder.


Lenin Jacket Picture: Wat is die storie? - Geskiedenis

Die geskiedenis van die Ed 's Warehouse -restaurant in Toronto

Bly op die hoogte

Ed's Warehouse was in die afgelope dekades een van die bekendste restaurante in Toronto. Dit was in King Street West 266 geleë, nie net 'n plek om te eet nie, maar ook 'n toeriste -aantreklikheid. Byna vier dekades lank het mense dit besoek en dit het altyd sy reputasie gestand gedoen.

In die vroeë 1960's is Kingstraat -Wes tussen Peterstraat en Universiteitslaan ongelukkig verwaarloos. Die CP Rail Yards, aan die suidekant van die straat, waar die Roy Thomson -saal vandag geleë is, het tot die moeilikhede bygedra. In hierdie gedeelte van Kingstraat is gereeld oorgange wat op die spore ry, gesien.

Ondanks hierdie oorwegings het Ed Mirvish in 1962 die Royal Alexandra Theatre vir $ 200,000 gekoop. Hy het gesê dat die waarde van die grond alleen meer werd is as die koopprys, wat die teater insluit.

Nadat die Royal Alexandra herstel is, het Ed Mirvish die probleem ondervind dat daar geen kwaliteit restaurante in die omgewing was nie. In 1963 het hy die probleem opgelos deur sy eie te open - Ed's Warehouse.

Ed's Warehouse Restaurant in King Street West op 9 Oktober 1981. Argief van Toronto.

Sy naam is gekies omdat dit eintlik in 'n voormalige pakhuis geleë was, onmiddellik aan die westekant van die teater. Ed het geglo dat eet en teater saamgaan soos die spreekwoordelike "perd en wa", so die onderneming lyk gepas.

Menigtes wat die restaurant en die teater bywoon, het lewe op straat gebring. Dit was nie die geval met ander projekte wat in die komende jare in die gebied geopen is nie, soos die Roy Thomson Hall (1982) en die Canadian Broadcasting Center (1992). Hierdie geboue het basies die straatlewe geïgnoreer.

Ed het uiteindelik meer restaurante in King Street geopen en ook die Princess of Wales Theatre gebou. Uiteindelik is die Bell Lightbox oopgemaak (2010), die juweel in die kroon wat King Street die belangrikste vermaaklikheidsdistrik in die stad en miskien in die hele Kanada gemaak het.

Dit het egter alles begin met The Royal Alexandra Theatre en Ed's Warehouse Restaurant.

In sy tyd was die eet in Ed's restaurant 'n ervaring wat ongeëwenaard was in Toronto. Rita Zakes van die Toronto Star het in Julie 2007 geskryf dat die atmosfeer soos dié van 'n Barnum- en Bailey -sirkus was. Persoonlik beskou ek dit as "antiek, rommel en Victoriana het wild geword!"

Saam met die rooi gestreepte muurpapier was daar groot Oosterse vase, Tiffany-lampe, brons- en marmerbeelde, 'n motor, antieke foto's, foto's van talle teatersterre, loodglasvensters en lampe met kaal dames op hul voetstukke.

Sedert die restaurant oopgemaak het, het die dekor deel geword van die aantrekkingskrag. Die beste van alles was dat die Royal Alexandra -teater, net 'n paar tree verder, na die eet in hierdie heerlike, uitbundige atmosfeer.

Die spyskaart is vooraf ingestel om koste te verminder. Dik, sappige prima -rib word vergesel van kapokaartappels, groen ertjies, Yorkshire -poeding en sous. Knoffelbrood en dille -piekels is ook ingesluit. Die nagereg was spumoni -roomys.

Kritici het grappenderwys gesê dat die spyskaart so maklik is om voor te berei dat Ed sy sjef afgedank het en die pos aan die parkeerwagter gegee het. Die kritici het klaarblyklik nog nooit probeer om die eerste ribbetjie te kook nie.

Die restaurant was so suksesvol dat Ed Mirvish uitgebrei het en Ed's Seafood, Ed's Chinese, Ed's Italian en Ed's Folly ('n sitkamer) oopgemaak het.

In Ed's Warehouse moes mans 'n baadjie en das dra; hierdie vereiste is gehandhaaf lank nadat ander eetplekke die tradisie uit die weg geruim het. Old Ed's restaurant bied egter laer pryse en was meer gemaklik.

Teken op 9 Augustus 1981 buite Ed's Warehouse, wat die spyskaart vertoon en mans van die kleredrag in kennis stel. Toronto Argief.

In 1971 het ek ingeteken op die Mirvish -teaterreeks. Toe my eerste kaartjies per pos aankom, het ek twee gratis koepons vir Ed's Warehouse ontvang. As ek reg onthou, het elke koepon 'n waarde van $ 20 gehad, wat die hele koste van die ete gedek het. Dit was inderdaad die 'goeie ou dae'.

In die sewentigerjare, toe die Mirvish -restaurante hul gewildheid bereik het, het hulle 'n gesamentlike kapasiteit van 2 300 sitplekke en bedien hulle dikwels 6 000 maaltye per dag. In dieselfde dekade het Toronto Calendar Magazine, wat later met Toronto Life saamgesmelt het, 'n wedstryd geborg om die beste restaurant in die finansiële distrik te bepaal.

Meer as 10 000 mense het gestem, en uit die 21 restaurante wat gelys is, was Ed's Warehouse nommer 1. Ten spyte van hierdie lof, het ek 'n paar baie kritieke resensies van die kos by Ed's Warehouse aanlyn gelees. Ek beskou die beesvleis, wat uit Chicago ingevoer is, egter as die beste wat ek nog ooit beleef het.

Een jaar op my verjaardag het my gesin vir my gesê dat hulle my gaan eet, maar hulle het hul keuse van restaurant 'n verrassing gehou. Ek het gevra of ek 'n das en baadjie moet dra, en ek is meegedeel dat dit nie nodig is nie.

Toe ons aankom, het ons ontdek dat 'n das en baadjie inderdaad verpligtend is, aangesien dit Ed's Warehouse was. Die kelner het aangebied om baadjies en dasse te voorsien uit dié wat hulle vir sulke situasies gehou het. Hy het verduidelik dat die kleredrag nodig is om te voorkom dat rondlopers oorkant die straat by die spoorweë die onderneming binnegaan.

Ons was beledig, want die klere wat hulle aangebied het, was vuil, en ons was beslis nie boemelaars nie. Ons het vars gestrykde sporthemde en 'n netjiese langbroek aangehad.

Daarna verskyn Ed Mirvish en vra: "Wat is die probleem?"

Hy glimlag, vra om verskoning en sê vir die kelner: "Begelei hulle na die tafel wat gereserveer is."

Ons het die ete geniet en toe die tjek aankom, was dit met 50 persent verminder. Ed was 'n baie slim sakeman sowel as 'n groothartige individu. My familie het nooit sy vrygewigheid vergeet nie.

Net soos alle goeie tye, het die Mirvish -restaurante uiteindelik verdwyn. Ed het sy eetlisensie in Desember 1999 gekanselleer. Toe verslaggewers hom uitvra oor die sluitings, het hy gesê dat hy moeg is vir skottelgoed was. Die stad was nooit dieselfde nie. Dit was ook die geval toe sy afslagwinkel, "Honest Ed's", in Desember 2016 gesluit het.

Om Ed Mirvish te omskryf, "Ed's Warehouse was uniek. Dikwels nageboots, maar nooit gedupliseer nie."


Janet Jackson se Super Bowl ‘ Klerekasstoring ’

Die halftyd -vertonings by Super Bowls het deur die jare meer en meer skouspelagtig geword, en Super Bowl XXXVIII was bo alles. Terwyl Justin Timberlake saam met Janet Jackson 'Rock Your Body' op die verhoog sing en die laaste paar reëls van die lied bereik - 'Laat ons iets doen, laat ons 'n weddenskap maak, want ek moet jou naak aan die einde van hierdie lied' - bereik hy oor haar lyf en trek 'n deel van haar borstebroek af en ontbloot die grootste deel van haar regterbors:

Hoewel MTV, wat die halftydse vertoning vervaardig het, volgehou het dat die voorval 'n ongeluk was - 'Die skeur van Jackson se kostuum was onoefend, onbeplan, heeltemal onbedoeld', het hulle gesê - sommige het beweer dat Jackson 'n tepelskerm dra (en vooraf uitsprake wat die vertoning bevat 'n paar "skokkende oomblikke") wat bewys het dat die stunt moontlik nie so spontaan was nie:

Die rustydvieringe is ook onderbreek deur 'n streaker wat, anders as Janet Jackson, nie sy minder as volledig geklede beeld deur CBS in die sitkamers laat straal het nie.

In 'n vreemde toeval het foto's wat na bewering die blootgestelde borste van die vorige jaar se Super Bowl -halftyd -entertainer, Shania Twain, uitgestuur het, 'n paar weke voor die groot wedstryd versprei:

Hierdie foto's is duidelik vervaardig uit skermkiekies van die Super Bowl-rustydvertoning in 2003-gegewe die druk van media-aandag as gevolg van 'n gedeeltelik blootgestelde bors by die Super Bowl in 2004, sou twee ten volle blootgestelde borste op die vorige jaar se vertoning een van wees die beste (minder) verhale van die jaar.


McFarland, VSA (2015)

Nee, die regte afrigter, Jim White, het eintlik in 1980 by die Hoërskool McFarland begin afrig. Hy was egter sedert 1964 'n onderwyser in die McFarland -skooldistrik, nadat hy aan die Pepperdine -universiteit studeer het. Destyds was McFarland grotendeels wit demografies. Hy het in 2003 afgetree na 23 jaar se afrigter vir seuns. Die film verhoog sy aankoms- en afrigtersposisie by McFarland tot 1987, die eerste jaar wat sy landloopspan bygewoon het en die staatskampioenskap gewen het (1987 was ook die heel eerste jaar dat Kalifornië 'n staatskampioenskap gehad het).

Het Jim White werklik ontslaan uit verskeie vorige poste?

Het Jim White werklik 'n landloopspan by McFarland geskep?

Nie heeltemal nie. Jim White het die program in 1980 weer begin nadat dit 'n jaar lank laat val is. Hy het egter die land- en seunsprogramme van die grond af herbou. -Kongresrekord, V. 146, Pt. 12

Het Jim White werklik twee dogters?

Die ware Jim White en vrou Cheryl White het eintlik drie dogters, Tami, Julie en Jami. Julie en Jami word uitgebeeld in die McFarland, VSA Fliek. Hulle word uitgebeeld as 15 en 10, 'n paar jaar jonger as wat hulle eintlik was tydens die eerste staatstitel in 1987 (die meisies was destyds op die universiteit). Al drie die meisies het 'n graad in onderwys aan die Lubbock Christian University in Lubbock, Texas Tami in 1985, Julie in 1988 en Jami in 1991 behaal. -LCU.edu

Het die kinders Jim White regtig 'Blanco' genoem?

Ja. Geïnspireer deur die ironie van sy van, was "Blanco" een van die byname wat die kinders en hul gesinne Jim White gegee het. -LA Times

Is die McFarland High School werklik oorkant die straat van 'n gevangenis geleë?

McFarland High School is eintlik net langs die Central Valley Correctional Facility, nie oorkant die straat nie. Alhoewel dit baie naby is, sou Jim White dit waarskynlik nie vanuit sy klaskamervenster gehad het nie, aangesien 'n straat huise die skool se atletiekvelde van die tronk skei.

Het Coach White die seuns regtig op 'n fiets gevolg?

Ja. 'N 1997 LA Times Die artikel beskryf dit as 'n verraderlike, verslete fiets, maar het nie gesê dat dit 'n meisie se fiets is soos in die film nie. Net soos die film was Jim White egter nog nooit self 'n hardloper nie en het hy die fiets gebruik om die span tydens hul oefensessies te volg.

Is die Diaz -broers werklik verbied deur hul ma om mee te ding?

Het Coach White die kinders werklik gehelp om in die veld te werk?

Ja. Om die tyd in te haal dat hulle weens die langlaufoefening nie in die veld kon werk nie, het Jim White hulle soms tyd gegee deur hulle te help om die veld in te haal. 'Soms het ek hulle gehelp om in die veld te werk', sê die regte afrigter, Jim White, 'maar belangriker nog, ek het op 'n ander tyd geoefen. As een of twee van die seuns om vieruur nie kon oefen nie hulle gaan net van die werk af, dan oefen ek miskien om 6 of 7 uur saam met die seuns. So ek het twee oefeninge. " -KGET 17

Was hul teenstanders regtig snobistiese ryk kinders wat op hulle neergesien het?

Waarskynlik nie. Die plaaslike fotojoernalis John Harte, wat die span destyds gevolg het, sê dat hy gesien het hoe teenstander spanne ware handdrukte van sterkte bied. Dit het lede van die Bakersfield High Drillers ingesluit. In die minste blyk dit dat sulke tonele deur die rolprentmakers oordryf is.

Het afrigter White die span regtig strand toe geneem?

Ja. Dit het egter 'n bietjie anders gebeur as in die film. Die ware afrigter Jim White het gedurende die 1985 -seisoen (nie die 1987 -seisoen nie) die langlaufspanne vir seuns sowel as meisies na die sentrale kusstrand van Kalifornië by Cayucos geneem. Dit was inderdaad die eerste keer dat baie van die kinders die see ooit gesien het. -John Harte

Het hulle werklik gemeenskapinsamelings gehou?

Ja, en soms het die White -gesin uit hul eie sak vir nuwe skoene en klere vir die span betaal. By een geleentheid het mev. Diaz 200 dosyn tamales gemaak om die span na Asië te stuur. Afrigter White het die bestellings geneem en afgelewer. -KGET 17

Het afrigter White Thomas Valles gered toe hy daaraan gedink het om van 'n oorpad af te spring?

Ja. Soos in die film, het Thomas Valles een aand na 'n oorkant bo snelweg 99 gegaan nadat sy ouers in 'n aaklige stryd gestry het. "Ek het daar gestaan. Ek wou nie huis toe gaan nie," sê Thomas. "Ek kan nie sê ek gaan spring nie, maar ek het gedink aan my lewe en hoekom sommige mense sou spring. Ewe skielik het ek hierdie kopligte gesien en dit was meneer White in sy Chevy van 59 '." Afrigter White het Thomas gebel. Hy klim in die vragmotor en begin met coach White praat oor sy probleme tuis. -LA Times

Was Danny Diaz regtig as 'n kind oorgewig?

Nee. Danny Diaz was nie oorgewig nie, maar hy was die sewende naaswenner in die span. Sy optrede tydens die staatsbyeenkoms in 1987 het McFarland gehelp om die titel te sluit. -23ABC Nuus

Hoeveel staatstitels het McFarland gewen?

Die McFarland, VSA ware verhaal ondersteun dat McFarland High School nege CIF California State Championships in landloop (insluitend vyf agtereenvolgens) gewen het en 'n reeks bywoning van die staatskampioenskap 24 jaar agtereenvolgens behaal het. Die reeks het geëindig terwyl die fliek in produksie was, nadat die skooltjie tot Divisie I -status verhef is, 'n byproduk van hul sukses. Hulle was landloopkampioene in 1987, 1992, 1993, 1994, 1995, 1996, 1999, 2000 en 2001.

Was al die deelnemers van die 1987 -span in die film verteenwoordig?

Nee. Regisseur Niki Caro het besluit om Luis Partida uit te laat, wat in die film vervang word met David Diaz. 'Niki Caro wou meer familie in die fliek wys, so hulle het my gekies,' sê die regte David Diaz, wat in die skooljaar eintlik gegradueer het voor die eerste oorwinning in die staatstitel. David word verteenwoordig in die McFarland, VSA film saam met twee van sy broers, Damacio en Danny.

Het baie hardlopers van Coach White regtig skoolgegaan?

Ja. Tientalle hardlopers van die afrigter, Jim White, het uiteindelik universiteit toe gegaan of by die weermag ingeskryf. Al sewe Diaz -kinders is op universiteit en al sewe keer terug na McFarland waar hulle vandag woon. Baie van White se voormalige hardlopers erken dat hy hulle geïnspireer het om persoonlike en loopbaandoelwitte te bereik wat hulle andersins as onmoontlik sou geag het (People.com). Sommige, soos David Diaz, het self onderwysers geword. Thomas Valles het daarna 'n tronkbewaarder geword (LA Times).

Is die fliek in McFarland verfilm?

Ja. Primêre verfilming het plaasgevind in McFarland, Kalifornië in 2013. Baie van die burgers van McFarland was ekstras in die fliek. -KGET 17

Lees meer oor die McFarland, VSA ware verhaal deur na die Jim White -onderhoud hieronder te kyk. Kyk ook van naderby na die Diaz -gesin, wat sewe kinders vir McFarland laat hardloop het.

PrepCalTrack.com het hierdie Jim White -onderhoud gevoer. Die legendariese voormalige McFarland -landloopafrigter praat oor hoe dit was om 'n fliek te laat maak oor sy ervaring om die span af te rig. Hy sê dat dit nie alles waar is nie, maar hy is goed daarmee.

Lede van McFarland se Diaz -gesin besin oor hul tyd as hardlopers onder afrigter Jim White aan die McFarland High School. Danny Diaz, dogter Delia Diaz, Gabriel Diaz, Damacio Diaz, David Diaz, Diego Diaz en pa en ma Paul en Juanita Diaz, ingesluit in die segment met die titel "McFarland's Family of Champions". Hulle praat oor geïnspireer word om te streef na iets wat verder is as om in die veld te pluk. Al sewe Diaz -kinders het vir Jim White gehardloop en al sewe is op universiteit.

Afrigter Jim White (Kevin Costner) is die nuwe PE-onderwyser in McFarland, 'n ekonomies uitgedaagde stad in die plaasryke Central Valley in Kalifornië. White sees the athletic potential at the predominantly Latino high school and decides to put together a cross country team. He offers the kids a chance to know what it feels like to be champions.


Naming the Zipper

The popular "zipper" name came from the B. F. Goodrich Company, which decided to use Sundback's fastener on a new type of rubber boots or galoshes. Boots and tobacco pouches with a zippered closure were the two chief uses of the zipper during its early years. It took 20 more years to convince the fashion industry to seriously promote the novel closure on garments.

In the 1930s, a sales campaign began for children's clothing featuring zippers. The campaign advocated zippers as a way to promote self-reliance in young children as the devices made it possible for them to dress in self-help clothing.


The Story Of Ravel's Boléro

Before he left for a triumphant tour of North America in January 1928, Maurice Ravel had agreed to write a Spanish-flavoured ballet score for his friend, the Russian dancer and actress Ida Rubinstein (1885-1960).

The idea was to create an orchestral transcription of Albeniz&rsquos piano suite Iberia. But on his return Ravel discovered that the orchestration rights had been granted to the Spanish conductor Enrique Arbós. Although Arbós generously gave up these rights, Ravel abandoned the idea and set about preparing an original score.

Ravel had long toyed with the idea of building a composition from a single theme which would grow simply through harmonic and instrumental ingenuity. Boléro&rsquos famous theme came to him on holiday in Saint-Jean-de-Luz.

He was about to go for a swim when he called a friend over to the piano and, playing the melody with one finger, asked: &ldquoDon&rsquot you think that has an insistent quality? I&rsquom going to try to repeat it a number of times without any development, gradually increasing the orchestra as best I can.&rdquo

He began work in July. By Ravel&rsquos standards the piece was completed quickly, in five months &ndash it had to be ready for Rubinstein to choreograph.

&ldquoOnce the idea of using only one theme was discovered,&rdquo he asserted, &ldquoany conservatory student could have done as well.&rdquo

The relentless snare-drum underpins the whole of the 15-minute work as Ravel inexorably builds on the simple tune until, with a daring modulation from C major to E major, he finally releases the pent-up tension with a burst of fireworks.

Boléro was given its first performance at the Paris Opéra on November 20, 1928. The premiere was acclaimed by a shouting, stamping, cheering audience in the midst of which a woman was heard screaming: &ldquoAu fou, au fou!&rdquo (&ldquoThe madman! The madman!&rdquo). When Ravel was told of this, he reportedly replied: &ldquoThat lady&hellip she understood.&rdquo

In an interview with The Daily Telegraph, he said: &ldquoI am particularly desirous there should be no misunderstanding about this work. It constitutes an experiment in a very special and limited direction and should not be suspected of aiming at achieving other or more than it actually does.&rdquo

Yet although Ravel considered Boléro one of his least important works, it has always been his most popular.


A Brief History of the Nickel

The nickel wasn't always worth five cents. In 1865, the U.S. nickel was a three-cent coin. Before that, “nickel cents” referred to alloy pennies.

Verwante inhoud

It turns out that even the name “nickel” is misleading. “Actually, nickels should be called 'coppers,'” says coin expert Q. David Bowers. Today's so-called nickels are 75 percent copper.

Those aren't the only surprises hidden in the history of the nickel. The story of America's five-cent coin is, strangely enough, a war story. And 150 years since it was first minted in 1866, the modest nickel serves as a window into the symbolic and practical importance of coinage itself.

To understand how the nickel got its name, you have to go back to an era when precious metals reigned supreme. In the 1850s, coins of any real value were made of gold and silver. In the event of a financial crisis—or worse, the collapse of a government—precious metal coins could always be melted down. They had intrinsic value.

But in the spring of 1861, southern states began to secede, and Abraham Lincoln was sworn in as President. Soon shells were falling on Fort Sumter in Charleston, South Carolina. America was in crisis, and so was its currency. “The outcome of the Civil War was uncertain,” says Bowers, an author of several books on coin history. Widespread anxiety led to an important side-effect of war. “People started hoarding hard money, especially silver and gold.”

Coins seemed to vanish overnight, and the U.S. Mint couldn't keep up with demand. “The United States literally did not have the resources in gold and silver to produce enough money to meet the needs of the country,” says Douglas Mudd, the director of the American Numismatic Association. “Even the cent was disappearing.” In the South, this problem was even worse. The limited supply of gold and silver was needed to purchase supplies from abroad, which meant the Confederacy relied almost exclusively on paper currency.

Minting new coins might not seem like a priority in a time of war. But without coinage, transactions of everyday life—buying bread, selling wares, sending mail—become almost impossible. One Philadelphia newspaper reported that the local economy had slowed to a crawl in 1863, citing that some storekeepers had to cut their prices “one to four cents on each transaction” or refuse to sell products outright because they were unable to get a hold of money.

Mudd puts the problem in more familiar terms. “It's like, all of a sudden, not being able to go to 7-Eleven because [the cashier] can't make change,” he says. “And if [they] can't make change, the economy stops.”

It was in this economic vacuum that the United States tried a series of monetary experiments. In 1861, the government began paying Union soldiers with “Demand Notes”—also known as “greenbacks.” Meanwhile, stamps were declared legal tender for small purchases a round metal case was developed to keep them intact. “It looked like a coin with a window on it,” says Mudd. 

Demand Notes, Series 1861, were issued by the United States in $5, $10, and $20 denominations. (National Museum of American History via Wikicommons) The term "Greenback" originated with these note, the earliest issue of the U.S. Government. (National Museum of American History via Wikicommons) The United States Demand Note was authorized by Congress on 17 July 1861 and issued on 10 August 1861. (National Museum of American History via Wikicommons)

For the duration of the war, the American economy puttered along with all kinds of competing currency. Even private banks and businesses were releasing their own notes and coins. Shopkeepers could give coins, stamps or bills as change. The war finally ended in 1865, but it took many months for precious metals to trickle back into circulation. “It's not until after the Civil War that coin production resumes at full capacity,” says Mudd.

As the United States turned its attention to rebuilding, not all metals were scarce. War production had expanded America's industrial capacity, and nickel was available in huge quantities. The advantage of nickel lay in what it wasn't. It wasn't scarce, which meant the government could print millions of coins without creating new shortages. And it wasn't a precious metal, so people wouldn't hoard it.

In fact, some cent coins had already been minted using nickel—and as one Pennsylvania newspaper pointed out, “the hoarding of them is unwise and injudicious.” There's no sense in hoarding a coin whose value comes from a government guarantee.

Only after a bizarre 1866 controversy about paper money, however, did nickel coins finally conquer everyday life. At the time, the National Currency Bureau (later called the Bureau of Engraving and Printing) was led by a man named Spencer Clark. He was tasked with finding a suitable portrait for the five-cent note. Clark's selection was a proud-looking man with dark eyes and a thick white beard. The public was not amused.

“He put his own image on there,” says Mudd. “There was a major scandal.”

Fractional Currency was introduced by the United States Federal Government following the Civil War, and were issued in 3, 5, 10, 15, 25, and 50 cent denominations. (National Museum of American History via Wikicommons)

“Clark put his own head on the currency without any authority whatever,” declared an angry letter to the New York Times. Reporting by the Tye depicted Clark's bearded portrait as an assault on the dignity of American money. Another letter-writer chimed in: “It shows the form of impudence in a way seldom attempted before. It is not the first time, however, that men have made a strike for fame, and only achieved notoriety.”

While legislators were making speeches in Congress denouncing Clark's portrait, an industrialist named Joseph Wharton was busy prodding legislators to find an alternative to paper money. In the early years of the war, Wharton had bought up nickel mines in New Jersey and Pennsylvania, so his suggestion should come as no surprise. He wanted coins to be made out of nickel.

Two months later, five-cent notes were quietly retired. And as Philadelphia's Daily Evening Bulletin reported in May of 1866, a new coin was to immediately take its place. “The President [Andrew Johnson] has approved a bill to authorize the coinage of five cent pieces, composed of nickel and copper,” said the article. “There are to be no more issues of fractional notes of a less denomination than ten cents.”

The new coin was decorated with a shield, the words “In God We Trust,” and a large 𔄝,” surrounded by a star and ray design. That year, the government minted a whopping 15 million five-cent nickels—more than 100 times the number of silver half-dimes minted the year before.

As far as the future of the nickel was concerned, the timing was perfect. The postwar economy began to gather steam again. “The supply was there, and the demand was there,” says Mudd. “People wanted coins.”

The nickel caught on for a few reasons. First of all, after years of coin shortages, nickels flooded the economy. Nearly 30 million were printed in 1867 and 1868. “The nickel was die coin from 1866 to 1876,” says Bowers. Even after that, as dimes and quarters rose in prominence, nickels were the coin of convenience. Bottles of Coca-Cola, which entered the marketplace in 1886, cost a nickel for 73 years.

The shield nickel was produced until 1883, when it was replaced due to manufacturing issues by the “Liberty Head” nickel. The decades that followed saw a succession of new designs, starting in 1913 with the Buffalo nickel and followed in 1938 by the initial Jefferson nickel. (Ironically, during World War II, nickel was so essential for war production that nickels were produced without any nickel.) The most recent update, in 2006, revised Jefferson's image from a profile to a frontal portrait.

In the 20 th century, one other shift cemented the nickel as an indispensable coin of the realm: the rise of coin-operated machines. Nickels were the ideal denomination for vending machines, jukeboxes, and slot machines. It also cost five cents to attend a “nickelodeon”—that is, a nickel theater. (Odeon comes from the Greek word for theater.) “Nickels went into the mainstream,” says Bowers.

Nickels have come full-circle since their roots in the gold and silver shortages of the Civil War. One hundred and fifty years ago, coins made of nickel seemed convenient because they were made of cheap metals. These days, nickel and copper prices are high, and our beloved 5-cent coin costs around 8 cents to produce. Maybe it's time to bring back the five-cent note.

About Daniel A. Gross

Daniel A. Gross is a freelance journalist and public radio producer based in Boston.


What's the Meaning Behind the Obey Clothing Line?

According to its website, the Obey clothing line is a challenge to youth to "take heed of the propagandists out to bend the world to their agendas." Created by Shepard Fairey, the word obey is used as a method of reverse psychology instead of following the status quo, or "obeying," this clothing line aims to challenge youth to do the exact opposite and think for themselves.

Shepard Fairey attended the Rhode Island School of Design and in 1989, created a sticker that would later spawn the production of this popular clothing line. Working with designers Mike Ternosky and Erin Wignall, Fairey has created a variety of clothing for men and women alike.

While attending art school, Fairey worker part-time at a skateboard shop in Providence, Rhode Island. There, the artist was exposed to graffiti art and the unique styles of the skateboarding community. Along with his interest in punk rock music, skateboarding influenced Fairey's future clothing business. The Obey clothing line remains a popular apparel choice for skateboarders, and Fairey's art appeared on the cover of Transworld Skateboarding magazine in 2011.

Fairey's art was put into the spotlight during the 2008 presidential campaign in the United States when he created a red and blue portrait of future president Barack Obama titled "HOPE."


Kyk die video: History vs. Vladimir Lenin - Alex Gendler